La creatrice, nata a Taiwan ma che ormai vive e lavora a New York, è considerata un vero e proprio genio, nonché la disegnatrice più costosa del momento. Le sue realizzazioni sono raffinate, elaborate, ovviamente ricchissime, ma soprattutto evidenziano una notevole intelligenza artistica.

Immagine dal sito gioiellis.com

La sua Silk Road Music Collection è stata esibita all’interno della sala di danze dell’Hotel Ritz, location perfetta per avvicinare il lusso alla musica, l’arte che ha ispirato la Hu nella progettazione della collezione. Difficile scegliere il gioiello più affascinante. Di certo ha attirato l’attenzione la spilla Jadeite Cello Brooch, modellata dalla sua suggestione per un quadro di Picasso e dal segno grafico della “chiave di violino“, che precede il pentagramma sugli spartiti musicali. La “chiave di violino” è stata realizzata con giada sapientemente modellata, oro bianco, diamanti gialli e bianchi.

Immagine dal sito gioiellis.com

Evidente quindi il forte interesse della designer per la musica: “Quando ero bambina sognavo di diventare una violoncellista. Ho avuto una solida e rigida formazione, specializzandomi in violoncello. È sempre stato il mio sogno essere in grado di esibirmi sul palco da sola ed essere la migliore! Sono cresciuta esercitandomi ogni giorno molto duramente. All’epoca era l’unica cosa su cui mi concentravo nella vita. Penso che tutto ciò sia molto simile al mestiere che pratico oggi, la designer di alta gioielleria. Sono due attività che richiedono devozione e passione altamente dedicate e che mi ispirano costantemente e mi motivano a raggiungere il meglio. Sono state la spinta per proseguire anche nei momenti più difficili. Musica classica e alta gioielleria sono forme d’arte che generano qualcosa di memorabile trasmettendo gioia e felicità nella vita delle persone. Dal mio canto, uso le pietre preziose come se fossero le mie note musicali per creare la mia personale sinfonia di gioielli” – estratto dell’intervista rilasciata dall’artista al sito theducker.com.

Il nome della collezione indica, però, anche un’altra influenza, la strada che unisce l’Oriente all’Occidente. In questo caso, una strada di note (ma anche “di seta”, la via commerciale che dalla Cina giunge in Europa), un elemento di congiunzione che consente di godere appieno dei due mondi. C’è anche un pizzico di Italia: la spilla Blue Magpie, infatti, è ispirata a Giuseppe Castiglione, pittore del Settecento che, alla corte imperiale cinese, ha ideato un originale stile pittorico. Il pezzo raffigura due splendide gazze, un nido e dei fiori azzurri, ed è stato prodotto con pietre preziose dalle diverse sfumature di colore.

Presto all’asta

Gli esclusivi gioielli della Silk Road Music Collection di Anna Hu saranno battuti da Sotheby’s il prossimo 7 ottobre, a Hong Kong. L’intera collezione è composta da una dozzina di gioielli: tra i più costosi spicca la collana Pipa Dunhuang, che presenta un diamante dal giallo intenso di 100 carati. La stima del prezzo è di 6,2 milioni di dollari.

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Quella del lapislazzuli è una storia molto antica, che comincia più di 7000 anni fa nella cornice dell’antica civiltà mesopotamica dei Sumeri, come testimoniano citazioni nel poema epico Gilgamesh, nonché i ritrovamenti delle tombe reali nell’antica città di Ur, contenenti statuette e vasellame in lapislazzuli. Anche gli Egizi amavano la gemma e la consideravano addirittura portatrice di una forza divina, infatti era utilizzata nei gioielli ritrovati nelle tombe di faraoni egiziani e per la decorazione delle maschere funerarie, come quella dello stesso Tutankhamon.

Composizione e caratteristiche

Il lapislazzuli è prevalentemente di colore azzurro intenso, ma può tendere anche verso il celeste, a seconda del livello di concentrazione di calcite, che ne determina le striature bianche. Del colore blu è invece responsabile la lazurite, componente più abbondante all’interno della gemma, che presenta anche delle venature dorate di pirite.

Il colore più bello e ricercato è di certo il blu reale uniforme, mentre difformità di colore e sfumature verdi influenzano negativamente il valore del lapislazzuli.

La pietra si trova in giacimenti abbastanza rari e localizzati in Cina, Cile e Russia. Ma la vera patria di queste pietre blu intenso è l’Afghanistan e, in particolare, le viscere delle montagne del Badakshan, zona nord-orientale del paese. Si tratta probabilmente della miniera di lapislazzuli più antica del mondo, da lì infatti provenivano le pietre che decoravano monili e oggetti preziosi sumeri ed egizi. Lo stesso Marco Polo nel XIII secolo durante il suo viaggio descriveva quelle montagne, “dove si trovano i lapislazzuli più belli del mondo”.

Il lapislazzuli nell’arte

La bellezza del suo blu intenso ha fatto della pietra anche un materiale straordinario da utilizzare in campo artistico.

È indiscussa la sua fortuna nel campo della gioielleria: non difficile da tagliare, l’unico limite era dato dalla fantasia di chi lavorava la pietra. Tra le creazioni spiccano i vasi e le coppe appartenute ai Medici.

Ma forse ancora più interessante è l’impiego che la storia dell’arte già dal Medioevo fa del lapislazzuli in dipinti e affreschi. Macinando le pietre infatti si otteneva un colore molto brillante, chiamato “oltremare” e definito nei trattati di pittura quattrocenteschi il più perfetto dei colori. Utilizzato per il manto delle Madonne e i drappi barocchi, colore iconografico della Santa Vergine, colore simbolico dei reali di Francia, colore della moda: già dalla fine del Medioevo l’oltremare diventa il blu per antonomasia, il più nobile e ricercato.

Per la rarità della pietra e il numero esiguo dei suoi giacimenti, il lapislazzuli era importato in Europa quasi esclusivamente dai mercanti veneziani e il suo costo era paragonabile a quello dell’oro. Ciononostante era la pietra più richiesta, proprio perché capace di restituire un colore brillante e resistente. Molti pittori tuttavia si dovettero abbassare ad utilizzarne solo alcuni pigmenti, su una base di colore meno pregiato, ma non Tiziano, che si dice non si abbassò mai ad utilizzare nient’altro se non il colore puro.

Nel I. secolo d. C. lo storico romano Plinio il Vecchio descrive il lapislazzuli come “un frammento della volta stellata del cielo”. Anche al mondo dell’arte non sembra sfuggire questa somiglianza: il cielo degli affreschi di Giotto della Cappella degli Scrovegni e quello della Cappella Sistina affrescata da Michelangelo spiccano per la profondità e il realismo del colore proprio grazie all’uso di tale preziosa pietra.

Se fino al Seicento inoltrato il modo migliore per fissare la natura sembrava essere l’immutabile colore del lapislazzuli, nei secoli successivi, a causa della penuria di giacimenti, la pietra è sempre meno utilizzata. È nell’Ottocento che il chimico francese Tassaert riesce a creare un pigmento sintetico praticamente uguale.

Il blu riacquista il suo ruolo decorativo ma anche trascendente nell’arte contemporanea, in particolare con Yves Klein che nel 1956 crea il celebre International Klein Blue (“IKB”), mescolando il pigmento artificiale a una resina industriale. L’artista omaggia così il prezioso colore dei cieli di Giotto.

fonte immagine: museoguide.it

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Per il terzo anno consecutivo, la manifestazione ha trovato spazio nella splendida cornice della Cordoaria Nacional, ex fabbrica di corde per la navigazione. Il format non cambia, resta quello della “fiera boutique”, meno caotica della madrilena Arco, che raggiunge un numero notevolmente maggiore di adesioni. La direzione artistica ci tiene a mantenere questo stile distintivo, regalando ai partecipanti di Arco Lisboa una visita “slow” tra gli spazi irradiati dalla luce naturale delle vetrate dell’ex fabbrica.

Molte le gallerie internazionali che hanno arricchito l’edizione di quest’anno: Krinzinger (Vienna), Helga de Alvear (Madrid), Carreras Mugica (Bilbao), Millan (São Paulo) and Greengrassi (London).

“Il mercato dell’arte contemporanea portoghese -commenta Thomas Krinzinger- è cresciuto incredibilmente negli ultimi 20 anni e manteniamo ottimi rapporti con i collezionisti spagnoli e portoghesi”. La galleria Krinzinger ha venduto sculture di Angela de la Cruz (50mila euro), una composizione di Kader Attia (20mila euro), ed un dipinto di Martha Jungwirth del valore di 47mila euro.

Ma Arco Lisboa non è solo questo, l’espressione artistica non si è limita agli spazi della Cordoaria Nacional, ma si è fusa con il “life style” ed il ritmo della città stessa. Lisbona è unica, ha rafforzato l’importanza del progetto: durante la fiera, i visitatori hanno compreso perché l’arte contemporanea portoghese è così vitale grazie ad altri spazi allestiti in diversi punti della capitale e dedicati al “dialogo” con artisti locali.

Ad esempio, il Comune di Lisbona ha presentato le ultime acquisizioni artistiche del 2016 e 2017 nella galleria Torreão Nascente, mentre il Museo Coleção Berardo ha ospitato l’esposizione “No place like home”, con una selezione di opere provenienti dal Museo d’Israele.

Ancora una volta, Arco Lisboa si è “lanciata” con cuore e anima nell’arte contemporanea e, grazie al supporto comunale, ha garantito ai visitatori della fiera, ma anche ai turisti, un’immersione a 360° nella vitalità artistica della città.

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Fra i diversi nomi dell’arte italiana, 5 hanno battuto il record: “Amalassunta” su fondo rosso chiaro di Osvaldo Licini battuto per 350.000 euro; conquista la scena la scultura di Leoncillo che raggiunge i 230.000 euro; l’opera figurativa “Ragazzi alla Finestra” di Antonio Donghi venduta per 140.000 euro; incanta anche il bellissimo “Jeux d’air” di Piero Dorazio che supera di più del doppio la stima massima e raggiunge i 370.000 euro; e infine Fausto Pirandello con la sua “Spiaggia affollata” battuta per 160.000 euro.

Nomi poco presenti nelle aste ma che hanno segnato la storia della prima metà del Novecento, tanto da far comunque volare i lotti in pochi minuti sopra la stima massima.

Il top price della serata invece è stato aggiudicato a Piero Manzoni per il suo “Achrome”, apparso per la prima volta all’asta e venduto ad un bidder al telefono per 2.967.500 euro. Secondo classificato il classico taglio rosso di Lucio Fontana battuto all’asta per 1.687.500 euro e infine al terzo posto la tela “Ammiraglio” di Salvatore Scarpitta con 1.060.400 euro, particolarmente rara perché dipinta con i toni del blu, del rosso e del nero.

Si conferma così l’ottimo andamento del nostro mercato, già registrato nelle prime aste di primavera, e si evidenzia il ritorno d’interesse nei confronti della pittura figurativa italiana, cosa che non accadeva dal 2006.

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La seconda edizione del Sotheby’s Prize ha ufficialmente aperto le candidature il 21 marzo, fino al 30 giugno 2018, tramite il sito www.sothebys.com/prize sarà possibile presentare la domanda di partecipazione, composta da 5 sezioni:

1) Un riassunto di una pagina della mostra proposta;

2) Un rapporto sullo stato della mostra, che specificherà la durata della pianificazione;

3) L’ammontare del finanziamento richiesto;

4) Un budget espositivo;

5) Una o più lettere di supporto dal Direttore dell’Istituto che ospita la mostra.

Dopo l’invio sarà possibile monitorare la domanda sempre attraverso il sito. La giuria si riunirà a settembre 2018 per prendere la decisione finale.

Il vincitore sarà scelto da un gruppo di stimati personaggi del mondo dell’arte che rappresentano un ampio spettro di culture e discipline, vale a dire: Sir Nicholas Serota (Presidente, Arts Council England), Connie Butler (Chief Curator presso l’Hammer Museum di Los Angeles), Okwui Enwezor (Direttore del Museo Haus der Kunst di Monaco) e Donna de Salvo (Senior Curator presso il Whitney Museum of American Art di New York).

La prima edizione del Sotheby’s Prize, lanciata nel maggio 2017, aveva premiato a settembre due musei (125 mila dollari ciascuno): il Museum of Contemporary Art di Chicago per la mostra “Many Tongues: Art, Language, and Revolution in the Middle East and South Asia” e il Nasher Museum of Art at Duke University (Durham, North Carolina) per la mostra “Pop América, 1965-1975”. Le domande raccolte erano state 92, provenienti da 15 Paesi diversi dei 5 continenti.

Per ulteriori domande è possibile scrivere all’indirizzo email prize@sothebys.com

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Ma ciò non ne ha compromesso l’andamento, che invece ha registrato un bilancio commerciale molto positivo. Le gallerie presenti quest’anno erano 211 provenienti da 29 paesi. Secondo gli organizzatori della fiera i visitatori hanno superato le 100mila unità, mentre sul fronte delle vendite le stime indicano un aumento compreso tra il 10 e il 20% rispetto agli anni precedenti.

Non sono mancati gli acquisti da parte delle istituzioni. La Fundación ARCO ha acquistato opere per un valore pari a 175.000 euro, mentre il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 23 opere per un valore pari a circa 225.000 euro. Tra le opere più costose vendute vi sono: un importante lavoro di Dan Graham “Pavilion for showing Rock Videos / Films (Design I)” al prezzo di 500.000 euro; l’opera “Escritura verde Superior” di Jesús Rafael Soto, venduta per oltre 800.000 euro da Leon Tovar Gallery (New York); due opere di Antonio López per 315.000 e 90.000 euro e una scultura di Baltasar Lobo, “Mére et enfant” per 330.000 euro.

Il concetto del futuro è stato il protagonista dell’edizione 2018. L’iniziativa si propone di rivoluzionare il rapporto con l’arte contemporanea, mostrando gallerie e artisti di diverse generazioni e aree geografiche, ricercando contenuti di qualità senza rinunciare alla scoperta di nuovi talenti.

A tal proposito l’edizione 2018 ha riservato al pubblico un’altra novità: l’iniziativa #mecomprounaobra (“mi compro un’opera”). Lo scopo è di promuovere e stimolare l’acquisto di opere d’arte da parte di giovani ed emergenti collezionisti.

Il forte successo ha permesso di proiettarsi, non solo verso l’organizzazione della 3° edizione di ARCOlisboa che si svolgerà dal 17 al 20 maggio presso il Cordoaria nazionale, ma anche verso la realizzazione di ARCOmadrid 2019, che si terrà il prossimo anno dal 20 al 24 febbraio. Il 2019 vedrà il Perù come ospite d’onore, per seguire la linea di promozione dell’arte sudamericana avviata nel 2005 con il Messico, cui hanno fatto seguito Brasile (2008), Colombia (2015) e Argentina (2017).

L’edizione 2018 di ARCOmadrid sarà ricordata per aver trasmesso un’atmosfera di ottimismo tra gli stand e i professionisti del settore, consolidando il punto di incontro, scambio e conoscenza tra critici, direttori e collezionisti.

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